传统山水画笔墨技法图文详解

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墨法基础:墨法包括调墨方法、用墨方法和渲染方法三大部份內容,不同的墨法其效果亦不同。

调墨方法包括

焦墨法:用浓度最高的墨作画,画面凝重。

水墨法:用掺水的墨作画,画面滋润。

设色法:设一定的色彩,画面艳丽。

镶金法:镶上部份金粉,画面堂皇。

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用墨方法包括

蘸墨法:将笔洗净,在笔尖上蘸一点墨或色,使笔尖浓,笔肚淡,笔根是水,用此法作画,一笔下去,浓淡分明,过渡自然。

混墨法:笔上不同部位分別蘸上不同墨或色,用此法作画,一笔下去,多色俱备,过渡自然。

泼墨法:将墨或色直接泼在绢纸上作画,大写意常用。

破墨法:用墨破水或水破墨,破墨法又包括干破湿、湿破干、淡破浓、浓破淡、色破墨、墨破色等。干破湿是先湿纸,再上墨,借助墨遇水会晕散的特性让墨散开,形成晕化效果。湿破干相反,先上墨再上水。淡破浓,浓破淡,色破墨,墨破色亦同。

宿墨法:宿墨指隔夜墨,此种墨不易晕化,有特种效果,但山水画不常用。

留白法:绢纸上并不沾墨,一片空白,以白代景,起此地无声胜有声之效,画云雾、湖水多用此法。

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渲染方法包括

平染法:将墨色均匀的平涂在画面上曰平染。

分染法:将墨色涂在画面上,然后用清水笔将边缘染开,形成浓淡自然过渡效果。

刷染法:用枯笔在画面上扫刷,形成飞白效果。所谓飞白,指笔毛运行后,自然形成空白区域。

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积墨法:先用淡墨平染,在需要加深的区域重复上墨若干次,形成累积效果,直到满意为止。

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混染法:用墨色混合渲染,有墨混色、淡混浓等多种混法。

点染法:常用淡墨点染树叶类。

罩染法:主要用于熟宣,指全部画完并等画面干透后,再喷上清水用清水笔普遍染一遍。

这些方法要根据不同的纸质和风格要求选择实施。

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笔者就墨法总结为淡、变、水、韵四字

淡:指用墨宜淡,淡则出韵味,淡则可改救,墨色太浓易成脏画死墨。

变:指用墨要有变化,不同环境、纸质、景色、画法要用不同的墨法。

水:国画就叫水墨画,其墨中水、笔中水、纸中水掌握适度很是关键。

韵:用墨的关键是体现出水墨的韵味来,体现出浓淡干湿的墨韵变化。

 

笔墨运用:笔墨运用有四个原则应牢记。

宁草勿刻,除工笔外,大小写意画运笔宁愿潦草勿要刻板。所谓刻板,指放不开手脚,下笔运笔不果断,而是小心翼翼的去画。… 阅读全文

中国画点法和染法

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 染,是指用淡墨和湿墨或色彩染出山石、树木的阴阳向背,以及染云雾、水纹,使景物具有立体感真实感。勾皴完毕,随之勾、皴浓淡形象的变化染墨或染色,染墨是为了加强厚度感,染墨不够、显得单薄;染墨过厚、皴被盖掉。要恰倒好处。明快处不要染或少染,重皴处要重染,染色要一遍一遍染上去,笔要大、水要足。【勾、皴(擦)、点、染技法可反复进行】。
在古典山水画中,宋画较讲究渲染,而元代以后,许多画法只有勾、皱、点而少染了,现代山水画则更重渲染,大有无染不成画之意。渲染确可增加画面蒙笼美,渲染时,通常采取皱阳面而染阴面较好,且生宣和熟宣的染法是不同的。
——熟宣渲染通常用分染法,塗染法,有干染湿染之分,干染不湿纸,涂上墨色迅速用清水染开。湿染先将纸喷湿,将墨色涂在欲染处,然后迅速用清水笔将边缘染开,使之形成浓淡过度自然的效果。塗染法主要用于染画远山,先塗出远山形状,然后迅速用清水笔将下面染开淡化,使之形成云雾状。
——生宣渲染通常用刷染法、点簇法、混染法、勾染法、积墨法或破墨法,也有干染与湿染之別,但干染易在两笔交汇处现一道白印,湿染则不会,湿染应先将纸喷湿晾八成干后进行。刷染法常用于染山石、树木的阴阳向背,是用笔沾少许淡墨,在欲染处采取扫、刷的笔法湿染,以形成浓淡层次。

元代赵原《陆羽烹茶图》中的“个字点”、“介字点”树叶点法

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  点法,是中国画的基本笔法之一,也是山水画常用的表现手段。在表现树木、枝叶、远树干、苔藓时采用不同的点法。

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  (明代沈周《小景山水》中的树木,运用“柏叶点”与“梧桐点”等点画法)

  国画点法多达二十几种,如个字点、介字点、胡椒点、梅花点、柏叶点、松叶点、梧桐点、攒三聚五点等。

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  (近代陈师曾《山水》册页画树石点法)

  山水画中远处树木杂草的点法亦称为“点苔”,用笔轻松下落为“点”,在画面上,可用墨点,也可用色点。

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  (宋代马远《水图》册页中多用水墨“渲染法”)

  染法,即所谓的“渲染”,是中国画的重要笔法。

  “渲”是用水和墨分别多次涂到纸上的笔法。

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  (明代唐寅《王蜀宫伎图》中运用色彩烘染法描绘人物肖像)

  “染”则是同时用色笔和水笔,先着色笔,再用水笔把颜色烘染开,使其色调渐淡或渐浓的笔法,工笔人物画常用此法。

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(刘松年《雪景山水》)

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  (《雪渔图》)

  在山水画中,渲染云和水,也是对皴、擦、点的必要的补充。例如,宋代刘松年《雪景山水》中,用淡墨烘托冬景凝重的气氛。五代《雪渔图》中运用墨色烘染天空与河水,表现寒冷的雪中意境。

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  (清代虚谷《观潮图》)

  清代虚谷《观潮图》中,运用水墨淡彩的渲染,烘托画面中钱塘潮的磅礴气势。中国画用笔千变万化,笔法多样,力求内涵丰富,形成自然生动的气韵与多姿多彩的画面效果。… 阅读全文

中国传统山水画山体画法图解

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山体画法

山体部位:山体通常分为五个部位,或叫五个形态,即峰、峦、坡、岭、谷。直立高矗为峰,低矮圆形为峦,平坦地方为坡,两山之间的连接地带或较长的平形山岗为岭,山下的低凹部位为谷。一幅画要根据需要进行构思设计,并非要把这五样都画上去。(图37)

图37

 

山体取势:传统山水取势主要是三远法,是指取势构图的视觉角度,即高远、平远、深远。高远即仰视效果,相当于站立山下往上看;平远即平视效果,相当于站立平地往前看;深远即俯视效果,相当于站立山上往下看,还有一种全景构图,也属深远一类。高远取势高大雄伟,震撼人心,有阳刚之气;平远取势平淡天趣,诗意盎然,有阴柔之美;深远取势场面宏大,视野广阔,有远见之明。(图38)

图38A高远构图

 

图38B平远构图

 

 

 

图38C深远构图

图38D全景构图

 

山体造型:美术就是造型艺术,所以造好型是绘画的重要法则,应精心设计。宋元的山水画是非常重视景物造型的,所以无论谁的画都很有视觉冲击力,有画眼有看点,明代董其昌之后,把笔墨看得高于一切却忽视形态美,这种倾向贻害无穷,致使山水画一代不如一代。造型总的原则要求是石贵奇,山贵雄,树贵苍,草贵茂,水贵阔,云贵动,这样才有生命力。

景物造型可平雅但不能太平淡。在中国传统山水画中,北派山水画家尤注重造型,风格多以雄伟壮丽,奇峭险峻的山石造型和古朴苍桑的树木造型为特点,颇有男人的阳刚之气,而南派山水画家的风格多以丘陵湖泊、花柳杂树的平雅造型为特色,颇有女性的阴柔之美。二者皆有特色,依各人的爱好而论。

 

山体造型主要有四种造型法,即弧线造型,折线造型,曲线造型和平雅造型,前三种多属北派画法,后一种多属南派画法,由这四种造型加以变化,可变化出诸多型态。

弧线造型山体总体结构呈直弧线状态。

曲线造型山石线条凹凸不规则,颇具古韵。

折线造型山石楞角分明,峭壁险崖。

平雅造型平淡天趣,诗意盎然。(图39)

 

图39A弧线造型法

 

图39曲线造型法

 

图39C折线造型法

 

图39D平雅造型法

 

山体虑实:画山体应虑实结合,不宜全部画为实景。其实,中远景用虑法染出画面更有情趣。(图40)

图40A虑景远山… 阅读全文

千金难买的国画用墨技法详解

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杂谈

千金难买的国画用墨技法详解
一、用墨:
1、淡墨:水多墨少,浓墨加水调之。
淡墨描远山景

2、浓墨:墨多水少,研至八分。
3、焦墨:黑墨乾而近燥者。将墨汁置于砚中,用墨锭反复研之,浓稠后即得焦墨,用于点苔、点睛,调整画面轻重的作用。
焦墨写生

4、宿墨:隔夜之墨。即所研之墨在砚内存放数日即可得宿墨,作画易枯润、苍茫。
宿墨山水

5、泼墨:全用湿墨泼纸画成,单层墨色变化,苍茫淋漓,而无笔痕。
泼墨山水

6、 破墨:在画末乾之际,以浓墨或淡墨补笔;不同墨色互相渗化,形成五彩墨色之韵味。破墨之法,淡以浓破,湿以干破。皴染之法,虽有不同,因时制宜可耳。”又说:“齐白石作花卉草虫,深得破墨之法,其多以浓墨破淡墨,少见以淡墨破浓墨。”潘天寿认为用墨:“在干后重复者,谓之积,在湿时重复者,谓之破。”作画用破墨法,目的在于使墨色浓淡相互渗透掩映,达到滋润鲜活的效果。
7、积墨:由淡墨开始,层层积叠,但明暗不同层次的墨色,不互相渲染或混杂,而是层次分明。
范宽《雪景寒林图》(积墨法)

8、飞墨:在轮廓内部皴后,用浓淡墨烘染绢背。
9、搭墨:毛笔调淡墨后,以笔尖复沾浓墨,下笔即有浓淡效
10、退墨:又称陈墨,旧墨即年代久远之墨。
11、埃墨:即锅底灰:用于工笔画渲染,比松烟要好,画蝴蝶和鸟的羽毛,用此墨干擦酷似原物的质感效果。
二.五色六彩:
1、五色:乾、黑、浓、淡、湿。
2、六彩:黑、白、乾、湿、浓、淡。
3、浓、淡、乾、湿、枯、涩。
墨分五色是指用笔方面的墨色变化,五色即:浓、淡、干、湿、燥。
在中国画里,“墨”并不是只被看成一种黑色。在一幅水墨画里,即使只用单一的墨色,也可使画面产生色彩的变化,完美地表现物象。“墨分五色”,那墨色有“干、湿、浓、淡、焦”五种,如果加上“白”,就是“六彩”。其中“干”与“湿”是水分多少的比较;“浓”与“淡”是色度深浅的比较;“焦”,在色度上深于“浓”;“白”,指纸上的空白,二者形成对比。
墨是黑的。可有人说:墨分五色。尤其好墨,落纸浓而不滞,淡而不灰,层次分明。甚至有人讲:有佳墨者,犹如名将之有良马也。这自然指的是画家,在他们眼里,墨不仅斑斓五彩,而且绚丽有情。这当然说的是松烟墨或油烟墨。

三、各种墨色的特点及用途如下:
“干” 墨中水分少,常用于山石的皴擦,可产生苍劲、虚灵的意趣。
“湿” 墨中加水多,与水调匀运用,多用于渲染,或雨景中的点叶、点苔、使画面具有湿润之感,或用于泼墨法,表现水墨淋漓的韵味。
“淡” 墨色淡而不暗,不论干淡或湿淡,都要淡而有神,多用于画远的物象或物体的明亮面。
“浓” 为浓黑色,多用以画近的物象或物体的阴暗面。
“焦” 比浓墨更黑,用于笔蘸上极黑之墨是为焦墨,常用来突出画面最浓黑处,或勾点或皴。
国画历来以墨为主,色为辅,所以中国画之墨就是色,古人有“墨分五色”之说,还有“五墨”和“六墨”之分,“五色”指一笔画出要有从浓至淡的多种变化。
所谓“五墨”和“六墨”则是说整体的墨色变化,五墨法将墨色分为焦、浓、重、淡、清。这是指墨色由深、厚、干的焦墨向淡、薄、湿的几近清水的过渡,形成不同层次的墨色的变化,一般由浓到淡是画面的主调。焦墨较为少用,仅用在提神醒目和调整画面轻重关系的地方。清墨,主要是参加墨韵和层次,使画面既丰富变化又调和统一,而“六墨”将墨色分为墨、白、浓、淡、干、湿。它既讲了墨的黑白浓淡的过渡变化,又讲了运墨时干到湿的水分控制,也就是说墨色的浓淡和干湿相互作用,才出现了干浓墨和干淡墨,湿浓墨到湿墨的多种变化。… 阅读全文

山水画的画云法

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中国山水画传统画法创造出其独特之美,而山水中的云彩是占据非常重要地位的角色。那么画好云彩也是至关重要。以下就由小编为大家介绍一下传统山水中的画云法。

  画云的方法1、渲染法

作为初学者,可用铅笔轻轻勾勒出云的轮廓,再用羊毫笔蘸淡墨渲染出来。在干与未干时,用浓墨在云的下面渲染,来加重云的质感和分量。在渲染时要注意,不能留有笔画的痕迹。如果是画大面积的云,可以先将宣纸喷湿,然后再渲染,这样不会留有笔痕,而且会显得生动形象。也就是古人常说的气韵生动。

怎样才会生动有气韵?

在一幅山水画,山为主体,是着墨的主要部分,要注意脉络连贯;空白的部分则“以云为总”(《用云来补充),也要注意气脉的相通。这样的画,才会是生动有气韵,具有艺术魅力的。二是“助势”。山为静,云为动,以云势助山势,则衬托出山势更加高峻峥嵘。北宋绘画理论家郭熙曾说过:“山欲高,尽出之则不高,烟霞锁其腰则高矣。”就是这最好的说明。另外依照章法,一方面云可起到“实则虚之”的作用。苍翠插天,倏而白练横拖,层层锁断,上岭云开,髻青再露。如此意境大为提升。另一方面,云也可起“虚则实之”的作用山水之间的空隙可以用运来补充。看起来就是水尽山穷,层次斯起,宛若大海,幻作层峦。实现意境之美。

  画云的方法2、勾法画云

就是用比较干得笔用中锋画出流动的云,这时候要注意线条流畅,这种画法一般应用在工笔画中,写意画很少用到。

  画云的方法3、留白画云

就是根据画面的需要,留出出画云的空隙,在山石和树木画完后,在用笔渲染留出的云,使之生动形象。虽然我们留出空隙,但是山的整体、树的的结构不能失去整体。这样才会更能表现云的流动感。
古人画云,不仅止于画出云(有积云、流云、云雾、云海、云瀑之分)的形似,而且要求表现出不同气候条件下云的意态。 画 水 法 早在唐代,画水的技法,就已有突出成就。明末周亮工在《书影》中有记载:“予两过赵州柏林寺,见吴道子画水,在佛殿后梁短墙。波涛凶涌,翻澜骇沫,仰视之目为之眩。”说的是,吴道子画的水,人们在夜里能听到它奔流澎湃的声音,仰视之会使得自己头昏目眩。这夸张的说法说明了吴道子高超的技法。

 

山水画创作技法之–断云技法 步骤一、画有断云的丛树深林应先用重墨泼写出整体大效果,中间横断虚空留白。 步骤二、用墨点擦出树林的大形后,再用笔加写树枝。 步骤三、先从整体出发,再由局部深入,不断调整处

山水画创作技法之–断云技法

步骤一、画有断云的丛树深林应先用重墨泼写出整体大效果,中间横断虚空留白。

步骤二、用墨点擦出树林的大形后,再用笔加写树枝。

步骤三、先从整体出发,再由局部深入,不断调整处理,淡施薄彩,逐步丰富画面。

步骤四、墨色由淡至浓,加强画面质感,以墨烘托出林间断云,渲染天空,整理成画。

 

山水画创作技法之–云海技法

步骤一、云海,一般为山顶俯视取景,登高临远,一览云涌如海。起稿时先写出山岭连绵之势,留大量空白虚实。

步骤二、在虚空间用水墨烘出云块。注意云形的结构和深浅变化,把云层层画出来,使人感到云气生动。运笔上不能全露笔记,使之时隐时现。这种办法须掌握好纸的湿度。

步骤三、由浅至深,用湿墨反复渲染、云海起伏要有动感。要表现出云的轻飘、浮动、弥漫、涌流的感觉。也可以利用丛树或山石衬托出云块,画的时候既要保留树石的实处,又要画出云的虚白感及云层的自然形态之美。

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1、勾云法

笔用中锋,墨用淡墨,画出屈曲燎绕的细线,来表现云的动态。常用短的笔线,以表示云的聚积,故短线处多层次密集才能 显  示出厚度来;长的笔线则甩来表现云的流动,故长线处层次宜少,才能表现出云的轻柔飘忽。画云要分出阴阳,上面为阳,也叫云头, 笔线稀少些,下面为阴,也叫云脚,笔线密集些。这样勾出的云,既有体积感,又有韵致。为了使线条画得流动而富于变化,执笔时拇指与食指可稍松,笔杆稍向右上斜,、用中指拨动笔杆,画出的线条才灵活。勾云法略带装饰风味,多用于较工整的山水画中。唐宋的大青绿山水中,常用白粉勾云、染云,青白相衬,鲜明生动;有的甚至用金粉勾云,更是金碧耀映,鲜艳夺目。

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2、留白染云法

又称烘云法。不勾出云纹,用水墨烘染出云块,常用以表现浑厚的凝云和云海,迷蒙浩荡,幽深莫测。染云法,一要注意云块的形态美,可用淡铅笔顺山峰林木之势轻轻勾出云的形态,一幅画中云块的大小、势动、形态,要相互呼应,在变化中连成一气,切不可涣散零乱。二要注意水分的掌握,初学者可由淡渐浓,层层染出;技巧熟练之后,方可浓淡兼施,一气呵成。烘染中,既不能留下累累笔痕,也不能不讲笔法,涂成一片死墨。因此,常要保持纸面的一定湿度,要讲究用笔的层次。在青绿山水中,也有用白粉行染云法的,其手法与水墨烘云法相同。

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古人画云,不仅止于画出云(有积云、流云、云雾、云海、云瀑之分)的形似,而且要求表现出不同气候条件下云的意态。如韩拙在《山水纯》中所说:“春云如自鹤,其体闲逸和而舒畅也;夏云如奇峰,其势阴郁,浓淡暖魂而无定也,秋云如轻浪飘零,或若兜罗之状,廓静而清明;冬云澄墨惨翳,亦其玄溟之色,昏寒而深重”。古人对大自然的观察体验何等细致深刻。我们要画好云,还得要从“师造化”上下功夫。

云(包括雾、烟、岚、霭、霞等)是山水画中不可或缺的角色,在构图上有以虚景衬实景的作用,画了云,山才显得神采飞扬,活泼而秀美。… 阅读全文

教你选宣纸

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一、原则:

薄纸宜画、厚纸宜书;单宣宜画、夹宣宜书。但这一原则并不是绝对的,还要根据个人喜好。

二、特征:

1、棉料:稻草为主,檀树皮为辅,纸性绵软、手感柔润、润墨性强、适用一般绘画和书法,但纸薄,不宜用力过重。

2、特种净皮:以檀树皮为主要原料,辅以少量稻草精制而成,纸性坚韧,柔软,宜书宜画,安徽产特种净皮单宣在1979年获国家金质奖。它吃墨均匀、托墨色、下笔见痕。画大写意层次分明、着色鲜亮;画小写意容易控制笔墨;用于书法则墨色鲜亮、经久不退。

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3、净皮单宣:仅次于特种净皮,其性质和使用效果与特种净皮基本相同。不同的是,稻草含量稍高,手感较绵软。

三、选纸:

挑选宣纸,应该有一定的纸类常识,一般来讲,应该注意一下四点:

1、(看)眼看--好纸不一定白,太白说明增白剂太多,不利久藏;纸白但不刺眼,反光柔和;不能有草梗、沙粒、裂口、洞眼、其他附着物。

2、(摸)手感--光滑、细腻、厚薄均匀、光滑中又有阻力。

3、(抖)抖纸--绵软不脆。如有嘻哩哗啦的响声、手感僵挺,决不是好纸。

4、(试)蘸墨试纸--好纸反应:吃墨快、扩散均匀、墨缘无锯齿状、再点第二次,墨干后层次分明、墨迹清晰、两次墨点中间有细细的白印。

四、怎样识别宣纸

目前,市面上出售的宣纸、书画纸、机械生产纸,其根本区别在于制作材料、工艺不同。宣纸是天然日光漂白,纯手工制作。书画纸与宣纸的不同点在于:书画纸是以竹子、麻类、树枝、龙须草类为原料,采用手工、半手工造纸机,抄造而成。由于宣纸可以按原料组成、尺寸大小、帘纹形式、厚薄程度等划分为不同的品种,要想区分它们,一方面要做化验检测,另一方面也要凭借多年经验的积累。一般来说判断一种纸是不是宣纸,最主要的依据看其是否含有一定数量的青檀皮、沙田稻草纤维。这两种纤维凭肉眼是无法识别的,必须在高倍显微镜下,观其纤维形态特征,进行对照后才能做出明确的判断。因此,只有搞宣纸研究的人,才能有条件这样做。

在不具备化验条件的情况下怎样识别宣纸呢?一般来讲,可以对宣纸的组织结构做一些分析,结合颜色、质地、帘纹、厚薄、尺寸诸方面进行归纳比较,找出特征作为识别的依据。

宣纸的颜色是洁白的(放久的宣纸为玉白色),不发暗,呈现自然白色,无瑕疵,纤维均匀,平整,不刺眼。如果纸色发暗或者白得发亮,那就要考虑是其他纸的可能性了。

再就是宣纸的质地,也就是宣纸的手感、声响、吸水性和润墨性。手摸宣纸时应有绵软的感觉,不发硬,柔软适度,柔中带绵,绵中有刚,绵中有力,光而不滑,不粗糙,百折无损,摆动纸时发出柔和的声音,与机制纸(文化纸)的哗哗声形成鲜明对照。宣纸的吸水性大而迅速,用墨点滴落纸面将呈以圆形状均匀扩散,墨迹边沿无锯齿状和放射状。宣纸是跑水不跑墨,吸墨性较强,入墨三分,力透纸背,便于掌握和控制水墨的扩散度,这是与其他纸的显著不同。

宣纸的帘纹,即纸面内的暗纹,如果迎光看去,可以见到许多条纹,过去的机制纸是没有的,现在虽然有了,但不清晰。帘纹是采取竹帘捞纸工艺所得到的,一般手工纸都有,但是宣纸帘纹是根据品种、厚薄确定纹理的,比如说单宣、夹宣、二层、罗纹、龟纹、白鹿等,不同品种的纹理、线条、图形是有区别的。宣纸的帘纹处带有一些“云彩花”,就如天空浮动的云彩一样,或浓或淡,或多或少。云彩花多说明纸内的青檀纤维较多,反之亦然。

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平常说的宣纸,主要是指“生单宣”,就是没有进行再加工的单层宣纸。单宣比较薄匀,是一次捞浆制成的。夹宣、三层贡宣与单宣相比,较厚,挺度高,强度好。

常见宣纸的尺寸有四尺、五尺、六尺、八尺、丈二、丈六、丈八等。宣纸越大,越难抄,工艺越复杂,一般只在每年夏天生产一个月。

如果接触到的纸符合上述各条规定,就基本可断定为宣纸了。

 

书法练习用什么宣纸好.生宣、熟宣还是半熟宣?

书写练习最好用价格便宜又能吸水的普通纸,如毛边纸、元书纸等.一般地说,写大字可用质地松而粗一些的纸,写小字要用质地紧密一些的纸或熟宣或半熟宣.创作用纸,初学者可用熟宣或半熟宣,如果使用生宣纸,要充分了解所使用生宣纸的湿染性特性和吸墨性能,蘸墨时要掌握好分寸,不宜太多,否则会变成墨黑一团.分寸掌握好了,用生宣写容易出效果.如果下笔以后水化的很快,要迅速地用吸水的废纸压盖上去,免得墨水继续洇出.使用墨的浓淡和蘸墨的多少,都要根据纸的性能的因素来定.各种性能的纸书写的艺术效果是大不相同的.通过实践,善于掌握纸的性能,能够充分地表现出笔墨趣味,这对书法艺术创作是太重要了。

 

很多书法爱好者经常会问:学习书法,到底是使用生宣还是熟宣好?或许前辈或老师会笼统告诉你:使用生宣!但你仍旧模糊,不知何因。今天,我们就阐述生宣七大优胜性能,为大家详尽讲解生宣用作书法创作的优胜之处:

一、柔韧性

生宣纸质的柔韧性是十分突出的,将生宣捏在手中,手感很柔软,用毛笔在生宣纸面上书写,能够体验柔韧十足的感受。将生宣揉成一团后再经过熨烫,依旧可恢复平展如初的原貌。在生宣上创作作品,作品完成后,待墨迹干燥后,即使将写好的作品任意团揉,经过装裱处理后,用生宣创作的书画作品依旧呈现平平展展的视觉效果。为此,宣纸书写后存放方便,携带方便,书写好的作品可装入信封邮寄给他人,作品到了收件人手中,只要请装裱师装裱后,就可以悬挂在房间里作为艺术品来欣赏。装裱后的书画作品陈放年代久了,出现了陈旧或残缺现象后,装裱师可以将陈旧作品的画心从装裱的作品上揭出,然后重新装裱,依然可以使得作品的外观焕然一新。… 阅读全文

画梅的基本技法-枝干技法处理

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画梅的基本技法:枝干技法处理(枝干用笔法、枝梗画法、多考支的穿插、挤褶画法) 梅花的老干完成后即是画梅花枝干。枝干在梅花构图中占有很重要的位置.不但不可轻视,而且必须相当重视。 画枝干很讲究用笔阴阳、 …
画梅的基本技法:枝干技法处理(枝干用笔法、枝梗画法、多考支的穿插、挤褶画法)
    梅花的老干完成后即是画梅花枝干。枝干在梅花构图中占有很重要的位置.不但不可轻视,而且必须相当重视。
    画枝干很讲究用笔阴阳、刚柔、顿挫、转折、曲直、速度、疾徐变化。枝干形象组合有大小、长短、粗细、曲直。神态有老枝、新枝、嫩枝、干枝、动静、虚实、燥润等。上述要在画面中有机结合运用得当来表现枝干恰到好处是需要很深功夫的。
    明·沈襄在《梅谱》中讲道:“巨细内外之辨,左右有向背之分,老干多如女字,小枝亦当交叉,体势要分左右.搀先让后,中有堰向。有远近,有高低,有长短,随意用笔不拘泥。视干之来历,然后枝条从而掩映之.切忌牵强杂乱。”前人对枝干的论述,很值得我们细细领悟。
    1、枝干用笔法

画梅的基本技法:枝干技法处理(枝干用笔法)

图为:画梅的基本技法:枝干技法处理(枝干用笔法)

    画梅花枝干用中号石灌笔以侧锋、中锋与藏锋相结合的笔法,先上后下,先左后右,运笔藏起回收,下笔藏锋,收笔回锋。枝干千姿百态,一般是先画主枝千、最上面的枝干、最前面的枝干、最大的枝干,其次是小枝干、后面的枝干。从墨的韵味和色度上也能够区分出前后主次为佳。这就是所说的层次感。画枝一波三折,有曲直有顿挫、提按,转折速度有机结合,这样枝干方能有节奏感、韵律感。在枝干中,顿挫不能过多,多则生圭角,使枝干缺少灵动之气。下笔提、按结合,只提不按枝干浅薄浮滑;只按不提,枝干呆板结滞。一旦梅枝中有曲有直,曲中求直使画面才能显得活泼生机。这是因为曲枝为柔,直枝为刚,曲和直的结合刚柔相济,会使画枝干出现生命的律动。
    不论画家怎样用笔,表达的感情强弱,喜怒、激昂,会跃然于纸上。初学画枝干并不能把握感情变化,也不必追求这些。做到枝干不飘、行止得当,枝干变化不一、快慢有致、用笔熟练趋向明,情感方能融于枝干之中。
    画枝干能否修,也是初学者的问题。画枝干时,如有一笔不合适,可随时趁湿再补上一笔。补笔时要顺笔势而补,补之笔要使观者感觉没有补。枝细可补粗,枝短可补长,细枝补粗较易,但接的长短衔接处并非好补。两笔重叠水分过大使衔接处容易跑墨变成鹤膝,或竹节之形状。其克服办法,一是把事先准备好了的小块宜纸直接按上去把水分吸收了方可控制,二是飞笔补之,是按第一笔趋向动势从空中斜落而下即起,如蜻蜓点水之势。
    2、枝梗画法

画梅的基本技法:枝干技法处理(枝梗画法)

图为:画梅的基本技法:枝干技法处理(枝梗画法)
    枝、梗相连,梗比枝粗,比老干细,梗生于老干,枝和干的连接部分为梗。是先画枝而后画梗,或者是先画梗而后画枝,没有一定的程式和顺序定论。要根据情况和画面的形势酌情而定。有时是先画梗,紧接着画老干,有时是画了老干再画梗,有时是画了枝再画梗。就势而论,怎样能表现效果就怎么画。不过均得趁湿而画,墨若干了,不易衔接。
    梗分大梗小梗,画小梗侧锋用笔,墨色轻于枝而浓于老干。下笔时,笔根先蘸较深点的淡墨,再蘸浓墨,在盘中轻顿,使浓淡浑然,行笔要快,使墨味丰润。若画大梗,与画老干方法相同。要上实下虚,曲直相间刚柔相间。梗与老干的衔接处,要有意识地画出飞白,衔接处可用勾勒法勾出明暗结构线,而后用淡墨干笔皱擦。
    3、多枝的穿插画法

画梅的基本技法:枝干技法处理(多枝的穿插画法)

图为:画梅的基本技法:枝干技法处理(多枝的穿插画法)

    多枝布局穿插先取大势之一,关键是看枝干的穿插是否合理得当。若组织两笔或两笔以上的枝干在一起时,一般是先画老枝、主枝,两枝交叉相拥,三枝交叉要有虚实、粗细、长短的变化。许多枝干在一起时,黑色应有浓淡干湿丰富的变化表现远近上下虚实的层次,曲直穿插自然,刚柔相间,疏密、聚散有致。把欲画花处空下来,在枝的交叉处花最多处要留出花的位置来。在实际生活中也是如此,但在实际绘画中并非这样简单。一不小心就会出现两枝并立现象,这时就需要找出解决这个问题的办法,就是采用破的方法用线的粗细、长短、虚实的角度不同来处理问题就更为合适。如三枝交于一点,并字出现在画面中,根据交插的面积大小、“井”字位置的大小要找出解决这一矛盾的最佳手段。把这些矛盾处设一组梅花,把井不会出现绝对的井字,而是变形的井字。对初学者而言,这个方法并不最佳,最佳的方法是不出现“井”字。
要克服出现“井”字的问题,就是以自然为师,以梅树为师,多观察、多写生、多实践,找老师多指点,找参考资料提高理论知识,这是解决问题的惟一的根本之法。
    这样讲来初学者可能会感到画梅花太难了,其实不然。不论画什么,要画好都不容易。画梅花有相对较容易的一点是,一组枝干在画面中的分量不足时,可向上下左右适当再扩展一点。因写意梅花中有笔断意连之说,可借这一理论基础来解决画面分量不足问题。在处理枝的穿插与花的关系上指小处布局,可以先点花而后画枝,采用这种手段来调整画面的分量不足与画面也同样是和谐的。关键是巧用妙用,大匠诲人以规矩,不能使人巧.学画有法,、妙用在人。
    4、挤褶画法
    在落墨前,根据自己的不同构思,把纸稍微地加工处理。这样做的目的是追求梅树较为苍老的质感,而毛笔不容易表现的多纹多疤现象,其法多用于老干。
    把草图起好后,在构图范围内可按树的结构,把纸挤褶在一起,有轻、有重、有多、有少,进行艺术挤褶。有的大枝干可在下部.就是离老干近的地方进行挤褶,小枝干就不必这样做了。挤褶后把纸放在画案上尽量展平,四角压好就可进行绘画了。用笔用墨的方法基本同上,不过在m擦老干和勾亮部的轮廓线时多少有些区别。在披擦老干时尽量用较干的笔按挤褶的纹理进行皱擦。亮部的轮廓线以散笔点线结合的方法进行勾勒,这样处理的效果给观者的感觉是千年老梅树苍劲、挺拔、傲雪、生机勃然无限春。
    5、远、淡、度枝干的意义
画梅的基本技法:枝干技法处理(远、淡、度枝干的意义)
图为:画梅的基本技法:枝干技法处理(远、淡、度枝干的意义)
    一幅主体梅花完成后,让画面显得更有层次、开阔、深远。用淡墨或淡墨加淡彩来描绘远、虚的枝干使画面才能显得有层次,有深远,有厚度。其次是补充主体的不足,衬托主体,使主体更加突出。远枝干在画面中占有相当分量的位置,那么我们对远虚的枝干是不能懈怠的,得与画主体画同样的态度来对待。不然,远虚的枝干就会感到多余、不透气、脏、乱,而影响了画面,破坏了画面,甚至前功尽弃。远虚枝干的表现也应是有浓、淡、干、湿,近实远虚的变化,枝干穿插、老干的皱擦、点苔,哪个细节也不能遗漏。这样才能起到围绕主体、突出主体、衬托主体的作用。
    6、 远、淡、度枝干画法
    用两个盘子,一个调浓淡墨,一个调淡墨,笔根先蘸淡墨.后蘸浓淡墨。浓、淡墨结合的多少要在盘中进行不断的调整,来适应画面的要求。若经验丰富,在画完主体墨稿后,可随机画远虚枝干,这样做,一是省力,二是不容易弄脏梅花。即便使某些部位超过了构思安排,在画梅花时会把这些遮盖了,这也是先定大局,细节部分等点了淡花后可再修补。
    7、远枝干的色彩运用
    远枝干的色彩使用无定法,看自己的审美追求。各种色彩梅花完全可以用淡墨或淡墨调加淡色彩,看自己的爱好。梅花用淡墨常用的谐调色彩有淡墨加淡黄、淡墨加草绿、淡墨加淡胭脂、淡墨加花青。淡墨最好不要和带粉质浓的色彩来调配。如石青、石绿、头绿、二绿、三绿等。其原因会使淡墨透亮程度差,会使淡墨有发灰的感觉。不论用何种色彩,只要与画面和谐即可。这是要在实践中凭自己的灵气、悟性去找感觉的。如画红梅远淡枝干,淡墨可调淡胭脂,淡胭脂不能在黄、绿、白梅中使用。黄梅、绿梅、白梅,可通用一个色调。在运用色彩时,还要以墨色为主,使淡墨中微带色彩的感觉为宜。若以淡色彩为主,那么远观其整体效果是不沉稳,而有轻浮之感,这是指主体色调而言。局部小细枝,或枝梢可以淡色彩为主使用;但不可过多使用,小面积运用得当会使画面显得灵巧飞动。
    8、画老干禁忌

画梅的基本技法:枝干技法处理(画老干禁忌)

图:画梅的基本技法:枝干技法处理(画老干禁忌)
    忌平,直,呆,无质感,转折生硬,皱擦无变,平擦、平涂、浓淡无变化,皱擦墨色飘,不衔接,软而无力,平滑,边线不清,水分过大,干擦干扫。
    9、画枝干禁忌

画梅的基本技法:枝干技法处理(画枝干禁忌)

图为:画梅的基本技法:枝干技法处理(画枝干禁忌)

    画枝干忌十字交叉、井字交叉、三角交叉、三线交叉于一点、小枝相对而生、两枝并立、鹤膝形、钉头、鼠尾、长枝过直、枝短而软、枝干染乱收笔虚尖、距离相等、布局对称。
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梅花各种的画法:双钩圈花法

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梅花各种的画法:双钩圈花法梅花的画法 梅花在一幅画中是最令人瞩目的,花的姿态多变,不同角度有不同的感受,阴阳向背,含苞欲放,肥瘦之分,有聚有散,有疏密自然之美态。枝高处花密,老干花瘦而疏,嫩枝花肥而密 …
梅花各种的画法:双钩圈花法
梅花的画法
    梅花在一幅画中是最令人瞩目的,花的姿态多变,不同角度有不同的感受,阴阳向背,含苞欲放,肥瘦之分,有聚有散,有疏密自然之美态。枝高处花密,老干花瘦而疏,嫩枝花肥而密。新枝含苞欲放,花期新芽不着花。一幅作品要点染很多梅花。像照片一样地把花点染上去是不行的,必须进行艺术取舍,看大效果,把花分成组,枝梢的花最茂盛,枝中部的花最繁多,根部稀少的瘦花和远花的分组。画花不要排列对称,又不能排列成三角形,以品字形为宜。花的色彩不能乱,还要画出上下、前后、左右之感,既有统一,又有浓淡,又有前后远近之别。结构清晰,层次分明。色彩明快稳重,不要飘,不要火,不能燥,不能太单调,不要红一片,像剪贴画那样呆板。
    双钩圈花法

梅花各种的画法:双钩圈花法

    1、匀圈画法花
    双钩圈花有工笔、意笔两种形式,这里单讲意笔形式,根据自己的习惯,选择较小的琅毫笔、羊毫笔(如叶筋、兰竹、白云),蘸淡墨从中锋圈出花瓣。梅花的花瓣为五出,花瓣要似圆非圆。用笔要有顿挫、虚实变化,勾线流畅,忌刻板生硬。花苞、花瓣的形状、大小变化不要过圆,过圆就失去动意了。太扁则花瓣欠饱满,若勾过尖似桃花,或勾过小似杏花。花有正侧向背之分,花苞有初放未放之别。睡瓣用一笔勾出为“单勾”,两笔勾出一个花瓣叫复勾。复勾圈花有变化,易生动,要求我们以笔写形,以形写意,以形写神。用笔时要起笔藏锋、收笔回锋,笔上含浓淡墨的多少要在盘中不断调整,不可一色画到底。
    2、花蒂、花蕊画法
    花须(丝)、花蕊均以中锋蘸焦墨或浓墨来刻画。正面的花蕊外形为圆形,侧面花蕊似扇形,每根蕊须要有力度,蕊头有笔触地错落点成,形似“椒珠”“蟹眼”。花朵、花蒂与枝干连接部分,形似“丁”字形状,也有称之“丁香头”,也有用“小”字形状的。侧面花蒂三笔画出,先画中间一笔,左右各一笔,或先画左右两笔,后画中间一笔都可以的。怎样顺手就怎样画。背面花蒂为六笔完成,先画五点,后画中间花柄。花离枝干不宜太近,也不宜太远,花一定生长在枝上,留出花蒂的地方。勾花蕊要细心,花须要发自花心,花须不宜多,不宜太短,不宜过长,不宜过细,不宜过粗。一幅画中,花朵、花蕾,不全是一样大,在画时要随机应变,不可生搬硬套。
    3、先句后点红梅

    勾完梅花后,若点成红色(是在梅花的轮廓线内填色),要讲色彩变化,调色不要过浓,浓则会把线条遮盖上,线条不清晰,影响美观。也更是不能平涂,平涂之法花朵呆板,闷,没灵气,无巧性,最好还是以笔根先蘸淡色,后蘸浓色。水分不宜过大,用点、氮法,一瓣一瓣地画出五瓣花形,点色时要不规则地留出一点空白。一朵花里,有一两瓣或三瓣即可,不要每一瓣都留空白。留空白,在一组花里要特别注意空白的位置不能相同,大小不能相同。色彩既要谐调,还要有跳动,就是在一个色调中的基础上用加强、减弱色调的手段来调整花的色彩变化。红梅常用的较沉稳的色彩有朱砂、胭脂、曙红。
    4、先匀后点绿梅
    绿梅画法同上,关键是用色问题。常用的色彩是草绿、二绿、三绿。在使用二绿、三绿时应稀于草绿。因色内粉性大,亮度差,透明程度差,覆盖力强,在使用时更为小心。若以草绿色为主调来画梅花,可先蘸草绿后蘸花青色来加强调整。用三绿为主调时,可用二绿、草绿、花青来调整画面,这三种色的深浅结合使用要注意色的调配和色彩跳动与统一。

    5、先句后点黄梅
    画黄梅的方法同上,在色彩使用上对初学者可能会感到有点不太好使用,黄色透明程度高。正因如此,色彩用得浓了,画面有一种燥的感觉;用得淡了.色彩不但不突出,而且在画时又不容易看出效果。我认为,色彩只能淡不能浓,浓则画面不易调整,淡则易于调整,一是可在原色上加重。二是可用另一色彩来衬托。三是淡黄加淡朱漂或是淡曙红或淡黄加淡褚石均可进行全面调整,局部加强。
    6、先句后点白梅
    梅花勾完后,不着色其本身就已是白色,可着色,可不着色,就看自己的构思了。若计划涂白色,就必须从背面涂色,因白色是不透明、不透亮、覆盖力最强、粉性最大、胶质性最大的一种色彩。背面点色时色彩不宜浓,同样不能超出轮廓线。若感觉白花不突出,可采用勾勒法在白梅的轮廓线外用另一种色彩再勾勒一次。如淡黄加淡墨,淡草绿加淡墨,淡花青加淡墨等较为合适。其次,可采用衬托的办法加强效果,用淡绿色或淡灰色等色来衬托。其方法也必须从背面用较大点的毛笔点、虱、扫之法来烘托,不能平刷、平涂。根据画面的平衡程度,不断调整色彩的使用,用色彩补充画面平衡,衬托白花。
    7、点弹结合法
    梅花点完后某个局部地方觉得还不丰富,不烂漫,可采用弹点相结合的办法来处理。弹色在整个画面中只能是起个点缀作用,不能占主要地位。这个办法适应于红、黄、绿、白梅。如画红梅,有时是在一幅画完成时觉得某个部分不理想,可用毛笔蘸红色点弹。调色时不宜过浓,过浓时不易把色彩弹下,过稀时不易把第一层深色盖上,要浓稀适中。弹色有时不一定会掌握很好,可进行局部点修。点还可以加大,过疏时可再加点,弹点时注意与自己的主体画面相谐调、融合。真正能起到一个点缀作用,某个部位需要有层次表现,一般先弹较深一点的颜色,等第一层深色基本干时,再弹第二层较浅一点的颜色,若感觉层次厚度还有点差,可用较亮的颜色适当点上几点,这样处理,厚度感、层次感就表现得生动活泼。然后可穿枝。穿枝时不要面面俱到,若面面俱到,其画面就失去了烂漫之风采。

画梅花的用墨技法讲解

画梅花的用墨技法讲解图为:画梅花用墨讲解 中国水墨写意画,最讲究笔墨,在绘画实践中,初学者遇到最多的问题是墨的控制,把握不住,深、浅、干、湿、焦的运用不能得心应手。这主要是由于对墨色运用经验不足,对墨 …

画梅花的用墨技法讲解

画梅花用墨讲解

图为:画梅花用墨讲解

中国水墨写意画,最讲究笔墨,在绘画实践中,初学者遇到最多的问题是墨的控制,把握不住,深、浅、干、湿、焦的运用不能得心应手。这主要是由于对墨色运用经验不足,对墨的反应程度缺乏实践探索。要做到能够熟练地把握墨的浓淡干湿的变化程度,得有用墨的最佳的灵敏感。即有浓一点太过、淡一点不足、多一点则闷、少一点则薄的最佳精度。在中国画里,墨似乎能替代一切颜色,具有奇妙的作用.中国画用墨色描绘山水、花鸟,你不但不感到单调乏味,相反,会认为墨色高洁清郁,更添稚趣。这与中国画的用翠技巧分不开,中国画的墨色实质上是墨与水的关系,水墨的多少有着极为丰富的细微变化。通过这些变化可以让你得到丰富的色彩感觉。《历代名画记》中说:“草木敷荣,不待丹砂之采。云雪飘扬,不待铅粉而白。山不待空青而翠,凤不待五彩而绊。是故运墨而五色具,谓之得意。”以为用墨是同样可以获得色彩的丰富变化的感觉。传统画论中认为墨色有“五墨’“六彩”之分。这是要求用墨的丰富性。“五墨,是焦、浓、重、淡、清,是指墨的五种不同色度。“六彩,则指五种色度外加以纸本身的白色,共有六种。神秘的墨色新感觉,这无非是对墨法创造的丰富感而产生奇特生韵的艺术魅力作一个概括的精辟的解释。

在用水墨的技巧中,浓墨能使画面显得深沉,甚感精神。淡墨有透明感,层次多变而富有韵味,善于表现峰峦出没,昏M迷漫等景感。可以说是水墨画获得魅力的奥妙所在。笔墨:笔重于笔感,而墨在于判断。墨的技法因水性的作用,所以把握它较为复杂。但是一幅作品运墨的成败,不以繁、简、难、易而定。也就是说,技法复杂,墨色丰富,把握上难度大的作品不一定是好画,必须是视画面的具体需要而定。像齐白石笔下的虾,因形态已经十分丰富生动,所以墨色可以简化,儿乎是只用一种中性淡墨色,层次微妙透明,恰到好处地表现出虾透明如玉的肉质,另加浓墨点睛,便成为佳构,简_ff可以说是出神人化,是淡墨表现的典例。焦墨是用浓墨渴笔,焦墨特色是墨色响亮,枯而见骨,苍茫深沉,给画面以力量,斑驳的焦墨点与不同湿墨晕染形成对比,犹如苍劲的秋风与润滋的春雨之对比,能表现出刚柔并济的感觉。破墨,即是黑色未干时再加墨色(或水)的技巧。破墨法有以浓破淡法,有以淡破浓法。使水墨自然渗化,浓淡交融,生动有致,活而不死,是写意画画面保持清洁丰富自然的有效方法。破翠法的方法本身就是多种多样。用色和墨相破谓之破色法,与墨法其理一致。破色法亦有色破墨和墨破色之分,色破墨是先用墨进行勾点,未干时再用色填上即可;墨破色是用色点画出物象,未干时用墨勾点。层层积染,都富有极强的艺术表现力,韵致宜人。

“六彩”焦浓重淡清或浓淡千湿焦是指画面的空白处往往令人惊叹的艺术表现力。中国画素来讲究“计白当黑”,“虚实相应无画处皆成妙境”。以白纸为地,落墨为黑,黑从白现,深知白处才能处理黑处。没有白就没有黑,没有空白的画面,也就显示不出墨色的丰富变化。空白在中国画里不仅衬托墨色,烘托主体,是画面章法变化、虚实相应的形式因素,更是画面形象的组成部分。画中之空白是意到笔不到,含蓄有余,给目视者无限的想象空i司。如:南宋画家马远的《寒江独钓图》,画面上只有一叶扁舟,一个渔者独坐垂钓,四周除了寥寥几笔微波外,其余全是空白。大片空白不仅集中地衬托出渔翁凝神专注于一线的神情,同时给人一种水与天相连的意境,是一种不平凡的创造。

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中国画写意花鸟画入门大全

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中国画写意花鸟画入门大全

第一章 概 述

一、中国画的分科

中国画原称水墨画,始于唐,成于宋,盛于元,历史悠久,它是我国独特的绘画艺术形式,绘画技法非常丰富。从表现内容上可以分为工笔画,小写意和大写意三种。工笔画工细秀丽,造型严谨准确,大写意笔墨简练,造型概括传神,小写意笔墨技法介于两者之间,深受人们青睐,比较适合中老年人鉴赏和学习。

梅兰竹菊称四君子,是传统学习中国花鸟画的入门绘画题材,是基础课,所以将其纳入本书的编绘内容。梅兰竹菊练好后,掌握了运笔用墨的基本绘画技法,在此基础上,可举一反三再拓学其他绘画题材就容易多啦。

二、初学者应具备的工具

学国画要准备一些基本的绘画工具,简称文房四宝,具体是:

1. 毛笔 毛笔种类名称繁多,形有大中小之分,质有软硬兼之别。初学时,大中小笔都应有,先备大小提斗笔各一支,大笔最好买兼毫的;中型笔买一支大兰竹、一支大白云;小型笔,买一支叶筋或衣纹笔,以后可根据需要逐步添置。

2.墨 过去作画先用墨锭砚墨,墨有油烟墨和松烟墨之分,现在多用墨汁,市场上有一得阁、曹素功和中华牌等,宜书宜画,使用方便。

3.纸 国画纸,有生宣和熟宣之分,生宣吸水性强,熟宣添加明矾制作不吸水。写意画要用吸水性较强的生宣纸。安徽产的“特净皮”、“净皮”最好,但价格高。初学者可用云南宣、浙江宣或四川夹江宣,价格适中。规格不要太大,一尺宣方便,可以直接做画。买三尺宣和四尺宣也可以,用时可以根据作画需要自裁,如四尺对裁,或四尺裁三,四尺裁四等。 4.画毡 亦称毛毡,垫在画纸下面,作画时吸收渗透的水墨初学者可以用旧毛毯、旧呢子代替,以平而有绒为好。临时作画没有条件,也可以把报纸垫在画纸下面作画。

5.笔洗 内盛清水是洗毛笔用的,市场有售。初学者可以暂时不买,选择阔口而光滑的陶瓷大碗或杯瓶代替。

6.调色盘 调墨配色用,市场售有七池型和重叠型的,初学者也可不买,可以选择中小型白色盘子代用,多少自便,一般有三、五个就可以啦。

7. 颜色 可买一盒12色的中国画颜色,也可选购常用的铅管颜色,如锌白、曙红、胭脂、藤黄、朱砂、赭石、石青、石绿等,用量多的可以随时单买补充。

笔筒、书架、镇纸等其他备品,可根据个人条件和学习进程的需要逐步添置完善。

三、用墨法

人曰“墨分五色”,称浓淡干焦湿,亦称焦浓重淡清。其实不然,墨的变化和水分多少有着直接关系,随着水分的递增墨色层次发生演变,显现出丰富多彩的奇妙变化。用颜色作画亦有同理,需要学画者慢慢摸索,虔心体验。

焦墨 把墨汁砚的很浓,画在纸面上墨涩而有光。

浓墨 墨黑程度仅次于焦墨,原因是加入了少许的水分所致。

重墨 是对淡墨而言的,它比浓墨淡一些,比淡墨又黑一些。

淡墨 墨色呈灰色叫淡墨,是加了较多水分的缘故。

清墨 是清水笔中加了一点点墨,画在纸上仅仅有一些淡灰色的影子而已。

上述是墨加水后出现的变化称单色,但是在画花叶和皴擦树皮、石头时,常常会浓淡墨色接踵相遇,就产生一种渗洇现象,在国画技法中称作破。比如说,浓色叶用淡色勾叶脉称淡破浓,若淡色叶用浓色勾叶脉称浓破淡等等(见图示)。但必须指出的是:无论是浓破淡还是淡破浓,都应该在前色七分干时去破,过早或过晚都破不出好的效果。

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国画写意花卉口诀

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写意花卉的几种表现形式

 白描也叫浅描,原是一种工笔技法,也可用来作写意画,放清笔墨,可单以不同墨线构成形象,也可用一种淡彩烘托,突出形象,或给主要物象局部加彩。

2.水墨

元代张退公《墨竹记》说:“夫墨竹者,肇自明皇,后传肖悦,因观竹影而得意”。也有说始于五代李夫人描窗月影而来。虽然这些说法都无画迹可证,但水墨画这个艺术形式是受竹影启示而来是可信的。宋元以来文人画的兴起,水墨画已成为国画的一种主要形式了。单以水墨点画,不施丹青是其特点。排除色相,洗尽铅华,只从笔情墨趣中创造出美的境界也确乎不易,难怪士大夫文人把水墨画推为上品。工笔画中也有单以墨染的,也是水墨画的一种。

3.水墨赋彩

宋代《宣和画谱》中说:“画花者往往以色晕淡而成,独熙(徐熙)落墨以写其枝叶蕊萼,然后傅色,故骨气风神为古今之绝笔。”可见水墨赋彩之法始于五代。特点是把物象形体、质感和色彩的表现分而治之,易于掌握,具有清丽、俊雅之感。

4.勾花点叶:

此法传为明代画家周之冕的创造,是以上三法的综合。徐悲鸿先生作花卉、湖石有先点后勾的方法,可以说是勾点画法的发展。

5.没骨与勾勒

宋沈括在《梦溪笔谈》中说:“江南布衣徐熙、伪蜀翰林侍诏黄荃,皆善画著名,尤长于画花竹。蜀平,黄荃并二子居宝、居实,弟惟亮皆隶翰林图画院,擅名一时。其后江南平,涂熙至京师,运图画院,品其画格。诸黄画花、妙在赋色、用笔板新细,殆不见墨迹,但以轻色染成,谓之写生。徐熙以墨笔画之,殊草草,略施丹粉而已,神气迥出,别有生动之意。荃恶其轧已,言其恶不入格,罢之。照之子(应为孙徐崇嗣),乃效诸黄之格,更不用墨笔、直以彩色图之,谓之没骨图,工与诸黄不相下,荃遂不复能瑕疵,遂得齿院品,然其气韵皆不及熙远甚。”后称黄家法为勾勒,徐崇嗣法为没骨,原是工笔画的技法,明代陈老莲承勾勒法而拘形似。晚清三熊等继其后,恣意放笔,发展为写意技法。或勾而后染、或纯以彩色写成,各异其趣。

6.点垛:

晚清兴金石学,一些画家从中得到启示,熔金石、书画于一炉,参酌水墨、没骨诸法创大写意的新形式,后人称为点垛,赵之谦、吴昌硕为其代表。

7.墨叶彩花:

这是近代画家齐白石先生吸取民间艺术的创造。齐老还创造了大写意花卉、工笔草虫结合的一新形式,也是前无古人的。

 

国画写意花卉口诀

画梅口诀

画梅有粗细,墨中要见笔,顿挫与顺逆,枝中要求曲。枝干应穿插,画枝如写“女”。叠花似“品”字,分组菊疏密,攒三和聚五,主宾莫分离,俯仰与向背,用色需统一。

画兰叶口诀

一笔长,二笔短,三笔破凤眼,撇叶关键是提按。有折有转有穿插,有粗有细要舒展。用笔稳健又潇洒,笔笔到位须大胆,两笔三笔来收根,齐而不齐有聚散。有放有收有向背,切莫三笔交一点。

画兰花的口诀

叶丛之中抽花茎,花有俯仰有舒展。可以全露也可藏,有高有低要自然。浓墨画叶淡墨花,淡墨也须有深浅。浓墨点蕊如写“山”,浓淡对比夺人眼。草绿调红画花头,色彩对比校明显。赭石蘸红点花冠,色彩和谐亦自然。只要黑色搭配好,画兰高雅不俗艳。

画晴竹的口诀

睛竹仰叶多,舒展意宽博。枝上按鹊爪,草写要灵活。“个”字与重人,交搭需相错。枝前叶较大,伸展不萎缩。疏密最重要,收放相联络。适当画垂叶,对比变化多。主宾要分明,忌散忌叠落。画竹练功力,重点是组合。

 

画雨竹的口诀

画雨竹枝略弯,叶下垂偏一边。“个”字“介”字相互破,各种分字画其间。行笔提按需求稳,出锋必须要果断。有主有宾分成组,整体还需连成片。密处求疏疏处密,最忌堆砌和散乱。画竹关键在组合,功夫都在笔墨间。

画菊花的口诀

菊花分三种,平攒飞舞型。重点练攒顶,画法要厚重。行笔要果断,主要用中锋。有连也有断,虚实可并用。花瓣相错位,方向有不同。外瓣须伸展,参差莫对称。墨色深与浅,根据花色定。墨干再着色,切记色填平。

画菊叶的口诀

菊叶用笔侧锋点,圆中有方形不简。叶面半干匀叶脉,有提有按要果断。攒三聚五连成片,有疏有密有重点。叶子墨色不可平,应分干湿与浓淡。有虚有实有破散,根据动势来裁剪。不看花冠只看叶,繁简搭配也美观。

画月季的口诀

点写花瓣有方圆,表现层次深衬浅。三五花冠叶腋生,有高有低有聚散。草绿调红画花茎,有直有曲有长短。羽状复叶三五出,疏密组合莫平板。有虚有实有浓淡,突出主题是花冠。

画百合口诀

研究百合结构,六瓣应分前后。中侧结合勾勒,用笔灵活不苟。浓墨匀点**,可减不必拼凑。画叶上小下大,有长有短交错。用色需要勾脉,浓墨不勾也可。象征和谐美好,清新淡雅活泼。

牵牛花的画法

……笔中颜色有深浅,注意留白要自然。花筒色要浅,花萼细长飘逸感。朱砂、朱标占蕊色要浓。……藤蔓有方有圆,有松有紧。

画卷丹口诀

花瓣分两层,一共是六瓣。朱标调曙红,色彩可浓艳。花形向后背,三笔一个瓣。浓墨画**,胭脂点斑点。画叶如百合,交叉与聚散。画法并不难,主要在熟练。

画蜂口诀

花卉点缀蜂,需要画得精。不仅形对比,静中还有动。双翅墨要淡,用笔也较轻。六足有长短,不可都平行。头胸可断开,为了求生动。虽然形体小,画意也要浓。向背有呼应,活力在画中。… 阅读全文



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